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【 书 名 】剑桥艺术史：古希腊罗马艺术

【 作 者 】（英）伍德福德

【 ISBN 】978-7-5447-0729-9

【 出版社 】译林出版社

【出版时间】2009-01

笔记

希腊各城邦独立，又由共同的语言和宗教连接，各城邦的希腊人都到泛希腊（即整个希腊）的神庙来聚会，来到忒尔菲或奥林匹亚的圣殿，向众神献奉他们的体育、诗歌和音乐竞赛。 

从公元前7世纪中叶起，希腊人用大理石雕刻大型人像。他们制作立雕像的灵感和比例系统就显然是从埃及来的，但是从埃及来的还有比灵感更重要的东西，那就是技巧。 

希腊雕刻家和埃及同行一样欣赏人体的天然对称，避免用任何带有弯曲的身姿，生怕那样会破坏人体的对称。
围绕垂直线条形成对称可以说是轻而易举，围绕横向轴线形成对称就远不是那么回事了。 

在我们眼里，变化是事物的天性，但在古代变化却是可怕的，不受欢迎的。埃及的雕塑技术传承千年，同样的东西照葫芦画瓢就能够保证不断地成功。希腊人就是这样胆大妄为，一步步进行着变革。
自然隆起的人体形状与生硬的人造珠状头发不可兼容。削掉多余的头发后，站立姿态又显得生硬僵直。
希腊艺术是按下面这种模式发展的，即“改变，出问题，解决问题，再出新问题”——假如我们真的赞赏希腊艺术家的勇气，就应该对他们的成功和失败给予同样的重视。他们本来可以像埃及人那样，永无止境地重复久经考验的程式，而不必冒任何风险。
但希腊人天性爱冒险，不安分守己，这就使他们从一个问题走向另一个问题，而每解决一个问题就登上一个更复杂的高度，最后，希腊人的解决方法竟如此令人信服，乃至影响到后来西方所有的艺术，并传播到世界的天涯海角。 

到公元前7世纪，在希腊某些地方，人及其活动成了艺术家绘陶的最主要内容。这时候，荷马的诗篇已流传很广，瓶画艺术家急于步诗人后尘，把他自己也变成说故事的人。
陶器上简单绘画 → 绘画黑色剪影后用线条雕琢细节 → 背景涂红形成红底黒人 → 背景涂黑人物涂红

陶瓶画师从来都不会原样照搬墙壁上的绘画，但他们有时会吸取其关于空间处理、透视、明暗运用等等的新思想。 

绘画和雕塑就一样有丰富的表现力，一样能充分地掌握自身的资源。希腊化时期的画家已经学会了表现空间和光线，还引进了新的主题。无论什么都可以作画：静物、风景、肖像和世风等等，从崇高的寓言到家常的琐事，都可以入画。希腊人传到罗马人手中的，正是这样广阔的题材和熟练的技巧。 

罗马人从公元2世纪开始使用混凝土，这种材料便宜、坚韧，可用于建造大型建筑。
先筑两道矮墙，两墙之间用碎石填满，然后注入胶泥——最好的胶泥是用石灰加当地一种火山灰再加水调和而成的。胶泥浸没作为混凝料的碎石，然后变干硬。一旦它足够坚硬，夹墙就再往上造，更多混凝料装填其中、新的胶泥注入其中。
建筑物越建越高，混凝料的质地也发生改变，重石子用于底部，轻石子用于上部，很轻的材料如浮石用于球顶的混凝料中，因为球顶很可能需要一个木质的中心架。
最终房子造成什么样，取决于装填着混凝料的夹墙的形状，罗马人一般使用小砖甚至锯木来建造夹墙，所以墙体可以自由地、难以想象地弯曲过来。此外，混凝土在干硬之前，可以接受对其施压的任何东西的形状，这样，通过木模就可以制作万神殿球顶天花上的镶板。 

罗马人擅长组织，也擅长建筑。无论他们走到哪里，他们都建立殖民地、建造城市，他们走遍了文明世界的西半部。他们把城市修葺得舒适漂亮，罗马文明由此而吸引了被征服人民。 

罗马帝国囊括了许多民族，其中有一些的传统习惯与主流文化有很大的差异，但只要这些习惯不妨碍帝国的有效运作，罗马人就表现出相当的大度，甚至于愿意让先祖的习俗让步。 

罗马帝国灭亡了，巨大的建筑物开始败落，墙上的大理石贴面剥落了，屋顶也坍塌了；塑像被拿走，烧成石灰或熔炼成金属；绘画破碎了，变成尘灰。然而在废墟里，庞大建筑物伤感的断垣残壁依然使观光者惊诧不已，刺激着他们的想象力。 

时间、战争和蓄意的破坏都摧毁了希腊、罗马的艺术，现在只剩下当年的碎片了，但即使这些碎片都可以给后世带来足够的灵感。
要到文艺复兴时代（从15世纪起），人们才真正认识希腊、罗马艺术的价值。好几个世纪中，一个有教养的文明人最高的境界似乎就是恢复古代世界。
21世纪有了其他向往，一度能感觉到的对希腊、罗马艺术的热情现在却消退了，不过艺术品自身的美和力量依然存在，它无言而有力地见证着希腊的光荣、罗马的壮丽。